6 oct. 2017

Claudia Fontes( Bienal Venecia)

 Cerca de 300 personas se fotografían junto a la pieza más espectacular de la 57 edición de la Bienal de Venecia, inaugurada hace una semana, con 120 artistas y casi 90 pabellones. Es impresionante: un caballo gigante se cierne sobre una niña, que se tapa la cara y le tiende una mano sobre su frente, parece que para tranquilizar su bestialidad desbocada, en un acto de confianza extrema. Las figuras en blanco chillan sobre el ladrillo de las paredes de la estancia, un edificio del siglo XIII.
A la estancia se accede por una puerta que advierte de la inquietante presencia. La artista argentina Claudia Fontes (Buenos Aires, 1964) ha plantado un grito en la cita, es un pistoletazo en medio del concierto. “Priorizo el impacto a la razón”, comenta a este periódico acerca del valor de la presencia desproporcionada, espectacular.No pretendo que el lector lea todo lo que he pensado a partir de la imagen que se me presentó
Claudia está sorprendida por la respuesta que ha tenido la escultura. Dice que le escriben de todas partes del mundo, personas que han pasado por la cita del arte contemporáneo más importante del año para contarle su experiencia con la obra. Explican a la artista sus interpretaciones, le felicitan por denunciar el maltrato animal, otros ven la voracidad capitalista en el caballo… Es una obra con una lectura tan cerrada que cada espectador la lee como quiere.
La artista reconoce que no hay un discurso claro y que tampoco le interesa, porque no puede intervenir en la sensibilidad de cada una de las que pasa junto a su instalación El problema del caballo. “Nunca trabajo ilustrando textos o discursos. Simplemente, se impone la imagen. No pretendo que el lector lea todo lo que he pensado a partir de la imagen que se me presentó”

12 may. 2017

Regina j Galindo


Sangre de cerdo 2017
Tomo como referencia la escena clásica de la película Carry donde la actriz personifica una escena dramática en la que es bañada por una cubeta de sangre de cerdo. Teniendo en cuenta los últimos acontecimientos en los Estados Unidos, donde el nuevo presidente (el cerdo) se caracteriza por un comportamiento misógino y racista, pongo en la mesa de discusión el acoso y la intimidación al mismo tiempo que pongo este acoso en manos del publico. Son ellos quienes deciden si actuar o no. Ellos deciden si tirar de la cuerda o no.
Permanezco de pie, parada bajo una cubeta llena de sangre de cerdo.  Una cuerda queda suelta a la altura de el público. El público es libre de tirar de la cuerda o no hacerlo.

























9 may. 2017

Diary - David Perlov



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David Perlov (1930–2003)


Cuando realizador israelí David Perlov murió, dejó tras decenas de Hefte (cuadernos), llenos de epigramas, textos para películas, notas biográficas, imágenes entrelazadas con textos, imágenes y textos con. Sin embargo, a principios de 1970, como las comisiones para hacer películas comenzaron a escasear y se encontró en un callejón sin salida creativa profundización, Perlov comenzó a concebir una alternativa que era una nueva forma ética y estética de su propia: un Tagebuch , un diario -no en la literatura, pero en el cine. A continuación, la demanda local para un mensaje sionista carece de complejidad, Perlov respondió con una autobiografía prolongado, sin terminar en principio. En su abstracción de lo personal, él respondió con un primer plano de lo personal como su punto de partida. Él escribió en un cuaderno:


Compro una cámara
que quiero empezar a filmar
por mí y para mí
, sobre todo en el anonimato
Se necesita tiempo para aprender
cómo hacerlo

Aquí crisis personal de un artista toca una fractura colectiva: como Perlov comenzó a trabajar en la película, la Guerra de Yom Kippur de octubre, 1973 estalló. Sus primeros signos fueron capturados por su cámara a través de una ventana de la ansiedad de los fieles que salen de la sinagoga en la calle y escuchar las llamadas de movilización de las reservas del ejército en sus radios de transistores. En la historia del cine, no existe ningún precedente de un diario personal en el que la guerra es una parte integral: aquí la íntima-generalmente identificado con el espacio de la persona y el radical, público, político-hogar se convirtió.

En 2013, el cineasta e investigador Anan Barakat dedicó su libro sobre la nueva ola de cine palestino a Perlov, así como a Mustafa Abu Ali, Mahmoud Darwish, y Jean-Luc Godard, y agregó en una entrevista que, aunque estos artistas hablaron la política y el pensamiento la política que todavía crean arte de alta calidad.Perlov era de cuarenta y tres años cuando comenzó a filmar diario , y era casi setenta años cuando lo completó. Su obra, como Marcel Proust o Robert Musil, se extiende a través del tiempo-mundos dentro de mundos, realidades complejas, incorporando sus alrededores. Perlov no negó la subjetiva; Después de todo, es la historia de su vida que fluye a través de la película y su voz que lo acompaña en todas partes. Pero eso no es su esencia. El título Diario de puntos a lo cotidiano, a la repetición, y no a los dramas. Este es un diario de viaje de trabajo que expone cada vez más la realidad, y sólo a través de esta acumulación es la política revelado como una nueva forma, como una opción para la transgresión.

10 set. 2016

markus lupertz


 Markus Lüpertz (Reichenberg, actual Liberec (República Checa), 25 de abril de 1941) es un pintorescultor y escritor alemán, vinculado al movimiento postmoderno del Neoexpresionismo.



Arnulf Rainer

Baden, Austria, 1929.
Arnulf Rainer se inició en la pintura a través del surrealismo. Interesado en el automatismo en seguida empezó a basar su expresividad en el ocultamiento de imágenes de otros artistas, o fotografías suyas. Así toma fragmentos de obras de arte, a menudo religiosas, para cubrirlos luego de capas de pintura y trazos realizados en ocasiones con las manos.Exaltando siempre el acto humano de pintar, en la obra de Rainer destaca el lenguaje corporal que pintar implica. Para esto, resalta las primeras formas de expresión humana, utilizando las manos para extender la pintura, y partiendo de la destrucción y el poder del subconsciente como fin creativo.
Muestras de un intento del artista por liberarse de sus propias limitaciones, sus pinturas denotan la búsqueda de la expresividad máxima, a través de colores, texturas y gestos. Incluso las formas de algunos lienzos exceden lo convencional, y adoptan la silueta de la cruz latina. La utilización de otras imágenes, cubiertas brutalmente de pintura, el uso de las manos y de la cruz como soporte y su obsesión por la muerte le han convertido en un artista reconocible internacionalmente, y en ocasiones polémico.

19 ago. 2016

Berlín Henrik Olesen

8c_HO2013_36_3En su obra conceptualmente rigurosa y a menudo ingenioso, artista residente en Berlín Henrik Olesen (b. 1967, Esbjerg, Dinamarca) investiga las estructuras de poder y los sistemas de conocimiento para revelar la lógica y reglas de normalización social y política inherentes. proyectos de Olesen, basado en una investigación en profundidad, se han ocupado de una amplia gama de temas, incluyendo los códigos legales, las ciencias naturales, la distribución del capital, y la historia del arte, y han tomado la forma de carteles, volantes, textos, collages, esculturas encontrado a objetos e intervenciones espaciales. En trabajos anteriores, Olesen ha recopilado ejemplos de "ley de sodomía" de todo el mundo como testimonio a la penalización de la homosexualidad persistente; montado un vasto atlas de las expresiones notables, aunque rara vez se reconoce de deseo del mismo sexo o afecto en la historia del arte occidental; y, más recientemente, ha creado un retrato-en-collages de fotos de texto y objetos escultóricos de-matemático británico Alan Turing, que fue perseguido por su orientación sexual a pesar de sus logros profesionales y contribuciones patrióticas histórico y imaginado.
Henrik Olesen. Imitation/Enigma (2). 2008. Box, adhesive tape, rope, padding material, and blanket, 23 5/8 x 39 3/8 x 11 13/16" (60 x 100 x 30 cm). © Henrik Olesen. Courtesy the artist and Galerie Daniel Buchholz, Cologne and Berlin

La imitación / Enigma ( 2 ) . 2008. Caja cinta adhesiva, cuerda, material de relleno , y una manta , 23 5/8 x 39 3/8 x 11 13/16 " ( 60 x 100 x 30 cm ) .
Monogram / Natures Morte
2012
C-Print, acrylic paint, collage on four panels
104 x 83 cm each

3 abr. 2016

Patricia Dauder



El trabajo de Patricia Dauder se caracteriza por hacer exploraciones conceptuales en la propia génesis de las imágenes como forma de construir nuevas visiones de la reali dad que invierten los procesos de captación de la misma, en un intento de devolver a un grado cero las formas adulteradas de la realidad y sustituirlas por un espacio visual autónomo donde se des-subjetiva la mirada.

Los dibujos-pintura de Patricia Dauder participan de la misma noción de des-realización de la imagen. La artista los trabaja y retrabaja hasta provocar el propio desfallecimiento de la imagen para que aparezcan otros significados que el espectador pueda aportar dentro de las tramas inconclusas y los rastros reiterados que no pretenden reconstruir realidad visible alguna sino tan solo transportar al papel y a la tela algo de su propia vivencia en el espacio y en el tiempo. Eso les da una presencia intangible, fluctuante a la vez que activa y necesaria, a pesar del infructuoso reconocimiento de las imágenes a las que puede estar haciendo referencia dado que son, ante todo, exploraciones en el propio acto de hacerlas emerger. Las superficies pictóricas se manifiestan a los ojos del espectador, como puras emergencias de la visión primera de las cosas que transcriben su devenir por encima de cualquier apariencia que las pueda fijar.



28 set. 2015

Rufina Santana

De la mano de los azules y describiendo un mapa pintado, la artista canaria Rufina Santana nos invita a realizar un viaje, a recorrer la senda del héroe. Dicho viaje comienza atravesando las columnas de Hércules y sigue hacia un mar incierto, ese mar que a todos nos une, y que en el caso de las cartografías, es un mar de tradición mediterránea que une las Islas Canarias, el Jardín de las Hespérides, con el nuevo mundo.La pintura de Rufina Santana es la pintura que habla del viaje, la memoria y el agua. Un viaje del alma, que no es tanto literal, sino simbólico e incluso cósmico, como viaja el alma del que crea en un proceso de meditación y creación y luego dibuja un mapa, una cartografía que la artista escenifica a través de una impecable técnica, el mito y el azul. Para ello se nutre de unos elementos de carácter representativo y simbólico: la barca, el barquero, el narciso que busca su propio reflejo ahondado en el elemento acuoso; el elemento sensible, el que más nos afecta de forma directa en todas sus posibilidades; la alegría de la lluvia, la conmoción ante un mar embravecido o el reflejo y perplejidad de la percepción de nuestra propia imagen ante la quietud de un estanque.
http://www.rufinasantana.com/






4 ago. 2015

Richard Linder

Richard Lindner,(11 noviembre 1901 hasta 16 abril 1978) era un alemán-estadounidense ) uno de esos raros pintores que sucumbió a la oscuridad de la pintura entendida como un gran luminoso comercial que nos anuncia un tiempo de consumo y farsa. 
 Pintor mordaz cuyos colores brillantes sobrepujaban los del propio decorado del plástico, el envoltorio abigarrado, el neón, el anuncio luminoso y el aluminio esmaltado. Todo es extorsión de la mirada. El maquillaje hinchado, el centelleo enflautado, el atiborrado ahuecamiento de los cuerpos conforman el paisaje de la exuberancia humana que pinta Lindner. Las figuras atarugadas pueblan el paisaje de la desproporción. La fisonomía del muñeco que sirve a sus representaciones no tiene el don de la intemporalidad propio de las figuras de Fernand Léger. No, la actualidad es aquí, por el contrario, muy inmediata. Tener fisonomía de muñeco es algo que favorece la autoestima de los sujetos Sus figuras de hombres y mujeres son como cuerpos tipográficos agresivos que componen juntos la palabra actualidad (en mayúsculas). Visualiza ese rótulo para sus coetáneos con una ironía aterradora, hiperbólica. 

Entre los objetos de consumo es el sexo el que da tema a los cuadros de este pintor. No es un sexo practicado ni cobrado en el lienzo, sino consumo inconsumado, en constante estado latente: la forma de vida de relación que llamamos seducción al consumo


21 may. 2015

Ibrahim Mahama







Espectaculares instalaciones de Ibrahim Mahama de sacos de carbón cosidas son el resultado de su investigación de las condiciones de la oferta y la demanda en los mercados africanos. El producto final - el arte - está igualmente representada en plazas de mercado desafiando tanto sistema de valor intrínseco de los artefactos.Artista que vive y trabaja en Ghana participa en la Bienal de Venecia.